96 Proposals

Bauhaus - Universität Weimar

Fr., 19. April bis Do., 30. Mai 2013

Die Werkschau von Studierenden, Lehrenden und Alumni der Bauhaus Universität Weimar zeigt Arbeiten als Experimente, Fragmente und Skizzen.

Die Aussstellung versteht sich, äquivalent zum Bauhaus in Weimar, als Dokumentation eines Laborcharakters und wird so nicht ausschließlich Arbeiten zeigen, die in der zeitge­nössischen Kunst oder im aktuellen Design verortet sind.
Gezeigt wird eine kaleidoskopartige Vielfalt von Gestaltungsansätzen, die sich auch in architektonischen, inge­nieurhaften und gesellschaftlichen Fragestellungen aus­einandersetzen und somit unterschiedliche Disziplinen ab­bilden. Über die gezeigten Objekte, Modelle, Filme, Zeich­nungen und Fotografien versteht sich die Ausstellungsgestaltung, die dazugehörige Publikation und der zeitbasierte Eröffnungsabend als eigenständige Arbeit.

Die Ausstellung ist kuratiert von Prof. Markus Weisbeck, Mathias Schmitt und Michael Ott, arrangiert wurde sie von Sebastian Schönheit

Abb.: „Exspectare 13“, 2010, C-Print,
170 × 100 cm

Nicole Ahland

„Appearances“

7. Juni bis 25. Juli 2013

„Licht, Raum und Zeit sind die Eckpunkte der Fotografien von Nicole Ahland. Im analogen Arbeiten verankert, weiß sie sich neue konzeptionelle Wege für die Fotografie zu er­schließen. Sie ist nicht an Mimesis und Abbildlichkeit interes­siert, sondern an der Wirkung und Interaktion mit dem beweg­ten Gegenüber.
Ihre Lichteinstellungen variieren von greller Helligkeit bis zu fast vollkommener Dunkelheit. Unscharf, aber kontrastreich bringen sie im Grau ihrer Erscheinung alle Farben ins Leuch­ten. So lösen sie erste Empfindungen aus, die den Betrachter unmittelbar angehen. In sehr mattem, fast schon verlöschen­dem oder eben erst aufgehendem Licht zeigen sie sich im Ganzen, in Tiefenschärfe und feinsten Nuancen. Diese Fotos befassen sich mit architektonisch dichten Räumen, sie brin­gen sie zu einer dichten Erscheinung und machen sie gerade­zu mystisch erfahrbar.“ (Friedhelm Mennekes)
Nicole Ahland lebt und arbeitet in Wiesbaden

Abb.: Nadin Maria Rüfenacht,
aus der Serie: Jardin des Plantes, 14,
2009, C-Print

Abb.: Oskar Schmidt, „Ruhendes Mädchen“,
2006, C-Print

„CROSSING VIEWS“

Fotografie aus Leipzig

2. August bis 19. September 2013

Gibt es eine Fotografie speziell Leipziger Prägung? Die kulturell vitale sächsische Stadt punktet mit Malern der Leipziger Schule und der Neuen Leipziger Schule. Lässt sich Vergleichbares auch von Künstlerinnen und Künstlern be­haupten, die sich auf das Medium der Fotografie spezialisiert haben und als Lehrer, Studierende und Absolventen den Ruf der Hochschule für Grafik und Buchkunst heute prägen? Natürlich dient die Rede von Schulzusammenhängen oft genug dem Setzen von marktstrategischen Trends. Jenseits derartiger Motive zeigt ein Blick auf die Leipziger Tradition bis 1990 jedoch Prägungen durch sozial engagierte, Arbeits­welten und Alltag beobachtende Fotografen, die überwiegend im Schwarzweißmodus arbeiteten.
Während der vergangenen zwei Jahrzehnte ist diese Situation einer ästhetischen Pluralität gewichen, welche die Vielfalt des aktuellen Kunstgeschehens weltweit reflektiert.
Dabei treten dokumentierende, szenisch-inszenierte und kon­zeptuelle Ansätze heute kaum noch ‚sortenrein' in Er­scheinung; vielmehr dominiert die Verschränkung unterschied­licher Blickwinkel und stilistischer Präferenzen. Die Auswahl der künstlerischen Positionen für CROSSING VIEWS trägt dieser gewandelten Situation Rechnung. Vorgestellt werden Vertreter mehrerer Generationen mit recht unterschiedlichen, zum Teil auch kontrastierenden ästhetischen Perspektiven, deren Arbeiten dennoch Korrespondenzen er­ken­nen lassen. So geht es ihnen einerseits immer noch um das genuin fotografische Programm, zu beobachten, aufzu­zeich­nen und ästhetisch zu ordnen, was an Vorfindlichem durch das Objektiv einer Kamera jeweils sichtbar wird. Ande­rer­seits ist ihre Bildsprache durch zahlreiche Referenzen in die Geschichte der Kunst geprägt – von der Frühromantik bis zur klassisch-modernen Malerei und Bildhauerei.
Gezeigt werden arbeiten von
Joachim Brohm, Silke Koch, Andrej Krementschouk, Nadin Maria Rüfenacht, Hans-Christian Schink, Oskar Schmidt, Erasmus Schröter

Abb.: „Doppelspucker“, 2012, Holz, Acryl- und
Kaseinfarbe, 56,5 × 21 × 28 cm

Alfonso Hüppi

Malerei, Holzwerke

22. November 2013 – 09. Januar 2014

„Hüppis Werk setzt Zeichen, die weder gegenstandslos noch abstrakt sind, wenn dies auch bisweilen so scheint, wie zum Beispiel in seinen frühen Variationen auf das Zeichen „Baum“. Hüppi gehört in die Generation derjenigen, welche die Abstraktion der Jahre 1948 bis 1965 überwanden. Er schuf mit seinen Zeichen ihr Gegenbild. Er gestaltet sehr bewusst und präzise, da ist weder Zufall noch Automatismus trotz bisweilen spielerisch erscheinender Leichtigkeit. Da ist vielmehr Bewusstheit und Gewolltheit in klarer Form und Farbe jenseits des Spielerischen und der feinen Ironie, mit der er uns immer wieder einfängt. Diese apollinische Kühle und Klarheit liegt aber nur als Folie über dionysischem Feuer und Chaos, die immer wieder an die Oberfläche drängen. Hüppis Kunst ist die Kunst vom Menschen“. (Wolfgang Henze)

Hüppi ist seit 1993 Mitglied der Akademie der Künste Berlin. Er lebt und arbeitet in Baden-Baden und Berlin.

Abb.: „Two Feelings“, 2011-2012, Mischtechnik auf Leinwand, 180 × 210 cm

Hideaki Yamanobe

                 „Die Fülle der Leere“

15. Februar bis 4. April 2013

Die Gemälde von Hideaki Yamanobe strahlen große Ruhe und eine konzentrierte, in sich gesammelte Kraft aus. Mit ihrer unaufdringlichen, ebenso introvertierten wie selbstbewussten Präsenz fordern sie eine geduldige und aufmerksame Betrachtung. Das hat zunächst mit ihrem weitgehenden Verzicht auf Farbigkeit zu tun, da sie den Augen keine vordergründigen, allzu schnell mit Assoziationen verknüpften koloristischen Reize bieten. Schwarz, Weiß und deren unzählige Abmischungen als Graustufen sind hier die Farben. Den spannungsreichen Abstraktionen Hideaki Yamanobes, der Offenheit und Vielschichtigkeit seiner Bilder liegt eine grundlegende kulturelle Zweiheit zugrunde: Dem Künstler, der seit etwa 20 Jahren überwiegend in Deutschland lebt, gelingt es, ein westlich geprägtes Malereiverständnis, das ganz auf den malerischen Prozessen selbst basiert, so mit einer spezifisch japanischen Bild- und Materialsensibilität zu verbinden, dass sich daraus eine ganz eigene, ebenso leise wie kraftvolle Bildsprache ergibt.
Hideaki Yamanobe lebt und arbeitet in Köln und Tokio